Desfiles aconteceram entre os dias 29 de setembro e 7 de outubro; confira os insights Lifestyle, #CNNPop, Moda, Semana de Moda de Paris CNN Brasil
O mundo da alta-costura está cada vez mais acessível. Qualquer pessoa com um celular e internet pode ter uma visão da primeira fila da semana de moda, conectar-se com seus designers favoritos e mergulhar nos mundos virtuais das marcas de luxo. No entanto, embora as pessoas possam estar olhando, curtindo e seguindo moda mais do que nunca, isso não está se traduzindo necessariamente em vendas.
Líderes de toda a indústria estão lutando para combater uma desaceleração global do luxo e buscando novas maneiras de manter a relevância, revigorar seus relacionamentos com os compradores, enquanto melhoram seus resultados financeiros. Essa dificuldade foi particularmente sentida nos desfiles primavera/verão 2026 em Paris, muitos dos quais tiveram menos lugares para convidados e cenários menos elaborados do que o habitual, apesar de ter havido um número sem precedentes de estreias de designers.
Um número avassalador de 111 marcas de moda participou do calendário de nove dias durante a Semana de Moda de Paris, que terminou na terça-feira. As primeiras filas estavam lotadas de celebridades de primeira linha e influenciadores, e o conteúdo dos desfiles inundou as redes sociais, mas era difícil imaginar como cada marca poderia se destacar em meio ao ruído e alcançar pessoas que enfrentam o aumento do custo de vida e outras incertezas em um mundo em rápida mudança.
Mas algumas casas conseguiram. Ao longo da semana, os designers que deixaram uma impressão duradoura criaram momentos que geraram conversas significativas e demonstraram como a influência da moda pode se estender para além da passarela e moldar o que as pessoas comuns usam nas ruas.
Roupas que as mulheres querem usar
A ideia de que as roupas – especialmente as caras – fiquem bem em quem as veste não deveria ser uma novidade, mas nos últimos anos alguns designers se fixaram em expressar a criatividade artística ou gerar um valor de choque, em vez de criar para um apelo mais amplo. Não foi o caso na casa espanhola Loewe, onde os co-diretores criativos Jack McCollough e Lazaro Hernandez apresentaram sua primeira coleção de peças alegres e altamente usáveis.
A estreia de Pierpaolo Piccioli na Balenciaga o viu afastar magistralmente a casa de luxo do streetwear oversized pelo qual se tornou conhecida nos últimos anos, voltando às suas raízes elegantes.
O mesmo pode ser dito de Michael Rider na Celine, que apresentou sua segunda coleção para a marca francesa a convidados que incluíam as atrizes Uma Thurman e Natasha Lyonne, e o cantor sul-coreano Kim Tae-Hyung, conhecido profissionalmente como V. Havia vestidos de festa lisonjeiros, calças masculinas e casacos longos, bem como sweaters e acessórios com a marca Celine apresentando seu monograma “Triomphe”.
Assim como a estreia de Rider durante os desfiles masculinos em julho, os estilos femininos pareciam preppy e clássicos, refletindo sua experiência como um americano (que anteriormente desenhou para a Polo Ralph Lauren) em Paris. Várias modelos desfilaram com jaquetas e bolsas tuckadas sob os braços, criando uma imagem identificável de uma pessoa em movimento.
Nos bastidores, Rider compartilhou que trabalhou simultaneamente nas coleções masculina e feminina, daí a sensação de “continuidade” e seu desejo por atemporalidade e consistência. “Nunca seremos uma marca que pula de conceito em conceito”, disse ele. “Você pode não ser a pessoa vestindo a coisa mais estranha que você pode descartar, mas você terá o melhor casaco, e você terá a atitude para usá-lo.” Rider disse que deu ênfase em fazer “algo que dure”. Ele acrescentou: “Há uma discrição na Celine que eu realmente aprecio, e acho que há uma tensão entre isso e estar na Semana de Moda de Paris, que não é mais muito discreta.”
Igualmente discreta é a visão de Nadège Vanhee-Cybulski para a Hermès, e este ano marca mais de uma década em seu mandato como diretora criativa da marca francesa. A Hermès é uma marca com muita história em torno de seus artigos de couro, principalmente bolsas, que representam seu principal negócio e alimentam seu prestígio.
Algumas delas apareceram na passarela de areia criada para o desfile primavera/verão 2026, juntamente com peças em tons de caramelo em texturas táteis como camurça e acolchoado. Os designs tinham um toque jovem — o look de abertura era um top de sutiã de couro com detalhes de corrente pendurados na frente, combinado com shorts bermuda, um casaco aberto e botas até o joelho — mas, no geral, a confiança silenciosa dos desfiles de Vanhee-Cybulski oferece um lembrete de que há força na contenção.
O Sexo que se Destacou
Houve nudez e expressões abertas de sexualidade nas passarelas nesta temporada, refletindo a era de exibição da pele em que vivemos — veja estrelas pop se apresentando em lingerie e o sempre presente “vestido nu”. Assim, quando o designer da Tom Ford, Haider Ackermann, apresentou apenas o suficiente de sexualidade para deixar os espectadores querendo mais, nós nos inclinamos. Sua interpretação do sexy era sutil — era sobre um estado de espírito, não uma parte do corpo exposta. Modelos desfilando em sua passarela sensual seduziram a plateia em belos conjuntos de alfaiataria, um vestido com um decote profundo que espelhava uma fenda igualmente alta. Havia renda e couro, é claro, e uma série de tailleurs de saia e casacos trench — talvez sem nada por baixo? — finalizados para dar um efeito laqueado e brilhante.
Reinvenção
A recente obsessão da moda pela nostalgia, seja ela códigos de estilo dos anos 70, 90 ou Y2K, está bem documentada e talvez seja um indicativo de uma indústria que enfrenta uma crise de identidade. Embora algumas das coleções de destaque desta temporada tenham olhado para o passado, o objetivo para muitos era reinventar, não recriar.
Para a sua estreia na Chanel, Matthieu Blazy abriu as janelas e trouxe ar fresco para o seu novo lar criativo — honrando elementos do passado da marca de 115 anos de uma forma que parecia genuinamente nova. Não foi uma lição de história, mas sim um exercício de experimentação através de materiais, silhuetas e styling.
Os tailleurs de tweed de saia, antes o uniforme de senhoras maduras da alta sociedade, estavam mais leves no peso e mais suaves na forma — as saias, muitas com bolsos, caíam baixas no quadril. Dramáticas saias de baile que floresciam com cor e textura foram estilizadas com camisetas de seda e camisas de algodão simples. Em um toque divertido, Blazy adicionou arame moldável à clássica bolsa 2.55 para que ela pudesse ser amassada e moldada pela proprietária.
Chemena Kamali, da Chloé, surpreendeu aqueles que assistiam ao seu desfile com uma série de vestidos florais de cores vivas no início de sua coleção — um afastamento dos tons suaves e neutros frequentemente associados à marca. Nesta temporada, ela disse que se perguntou como seria a couture da Chloé. A resposta foi uma reinterpretação descontraída de técnicas clássicas de couture — incluindo draping e pregas — mas feitas com tecidos de algodão simples para criar vestidos casuais que você usaria em uma festa na piscina, em vez de um gala formal.
Miuccia Prada está ciente das “tradwives” do TikTok? Quem sabe, mas nesta temporada na Miu Miu ela tentou reposicionar um dos maiores símbolos do trabalho feminino: o avental — afastando-o da estética da dona de casa perfeita dos anos 1950, gerada nas redes sociais, estilizando-o sobre biquínis triangulares e suéteres e jaquetas pesadas. De acordo com as notas do desfile, ela queria conceder à humilde peça uma “nobreza e respeito”, sugerindo que esta era também uma conversa sobre classe, embora um avental de moda caro, provavelmente fora do alcance de qualquer pessoa que use um para trabalhar, dificilmente vá perturbar o sistema.
Engenhosidade de design
Um bom design é, em última análise, sobre encontrar soluções — idealmente, aquelas que são tão bonitas quanto inteligentes. Stella McCartney tem sido vocal e consistente em seus apelos para que a moda seja mais consciente ambientalmente e, a cada temporada, ela geralmente revela uma nova inovação com isso em mente. Na semana passada, a designer de moda britânica encerrou seu desfile no Centro Pompidou de Paris com três looks finais e emplumados feitos com “Fevvers”, uma nova alternativa vegetal de tingimento natural às penas animais. “É estranho para mim que penas arrancadas de um pássaro sejam vistas como delicadas na moda”, disse McCartney nos bastidores após seu desfile. “Você pode escapar para a moda e ter beleza e sonhar, mas não precisa matar animais.”
Desafiando as normas ocidentais
Empurrar os limites do vestuário e desafiar os ideais ocidentais em torno deles foi o que tornou a chegada de designers japoneses a Paris nos anos 1970 e 80 um movimento cultural tão inovador. Hoje, muitos desses rótulos permanecem fixos no calendário da Semana de Moda de Paris — e continuam a levantar a bandeira da originalidade e do pensamento independente.
Na Issey Miyake, o designer Satoshi Kondo compartilha os mesmos valores democráticos do falecido fundador homônimo da marca, enquanto também desafia como as roupas são feitas e usadas. Para a Primavera-Verão 2026, ele apresentou tops em todos os tipos de formas desordenadas: alguns — como o usado pela modelo americana Maggie Maurer — pareciam encolhidos; outros pareciam ter sido colocados em um estado de embriaguez e usados de lado ou para trás. Mas também havia muitas camadas engenhosas que seriam mais facilmente incorporadas ao guarda-roupa do dia a dia.
Mais tarde naquela noite, o desfile de Yohji Yamamoto aconteceu em seu local habitual, o Hôtel de Ville. Uma nota deixada pelo designer em cada assento encorajava os convidados a “estarem presentes” e a guardarem seus telefones. “Deixem que o momento, o movimento e o vestuário falem com vocês — eles são feitos para serem sentidos com os seus sentidos, não meramente registrados digitalmente”, dizia.
Mas muitos participantes simplesmente querem capturar os frutos dos anos crepusculares de Yamamoto antes de sua eventual aposentadoria, que certamente deixará um vazio na moda. Yamamoto, que completou 82 anos esta semana, certamente entende o impacto que isso teria: Seu último desfile apresentou uma homenagem sutil, mas sincera, a Giorgio Armani na forma de vestidos-túnica impressos com imagens de campanhas passadas do falecido designer. Havia também muitos dos estilos característicos de Yamamoto, como vestidos cortados assimetricamente ou drapeados sem esforço.
Também não devem ser negligenciadas as cultuadas marcas japonesas Sacai, de Chitose Abe, e Undercover, de Jun Takahashi, que nunca são as mais chamativas no calendário, mas encontram maneiras de equilibrar consistência com novidade que fazem seus devotos voltarem para mais. Entre os destaques da Sacai estavam jeans azuis virados de cabeça para baixo, e na Undercover, uma oferta excêntrica de botões incompatíveis, jaquetas distorcidas e roupas pontilhadas, enquanto Takahashi imaginava entrar na pele de um alfaiate inexperiente — o que dificilmente é o caso do próprio designer.
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